MCA (Beastie Boys) ¿Por qué lo extrañaremos?

Hoy muchos recordamos a Adam Youch tras conocer la noticia de su fallecimiento, cuyo anuncio se dio esta mañana. Muchos artistas, incluso algunos que no tienen relación  directa con la cultura del hip hop, le rindieron tributo. Para la gente de mi generación, los Beastie Boys se convirtieron en puntos de referencia. He aquí algunas razones para explicar la nostalgia que hoy muchos sentimos.

El primer toque de los Beastie Boys fue en agosto de 1981, durante la fiesta de cumpleaños de Adam Youch. El desván de su casa sirvió para grabar el primer demo; un casete que contenía las primeras versiones de sus canciones Egg Raid On Mojo y Transit Cop. Era hardcore punk de la buena escuela. En ese entonces, los Beastie Boys (Boys Entering Anarchistich States Towards Internal Excellence) eran cuatro. Una mujer (Kate Schellenbach) tocaba la batería. Con el tiempo, el lugar lo asumiría Mike D, su voz principal. MCA siempre tocó el bajo. Adam Horovitz llegaría luego…

Tiempo después los Beastie Boys empezaron a experimentar con las técnicas de producción de hip hop, lo que al parecer no era un tabú en la escena underground de Nueva York. En 1983 lanzaron un sencillo que incluía tres canciones. Una de ellas, Cooky Puss, se desarrolló en torno a la grabación de una pega telefónica. El disco se convirtió en éxito y en pieza de colección.

Para 1984, unieron fuerzas con Rick Rubin, socio fundador de Def Jam Records (uno de los sellos más importantes del género, aún hoy con un catálogo envidiable). Abrieron shows para RUM-DMC, grabaron Fight For Your Right (To Party), se convirtieron en el primero grupo de hip hop que lograba figurar en lo más alto del listado de Billboard y se ganaron el derecho de acompañar a Madonna en su gira cuando ella cantaba Material Girl y Like a Virgin.

Los Beastie Boys se pelearon con Rick Rubin, quien a su vez se fue a producir el Reing In Blood de Slayer con su otra compañía: American Records. Ese disco considerado como influencia fundamental para moldear el estilo de Public Enemy, otro artista Def Jam, y considerado por muchos como el mejor grupo de hip hop de la historia (puristas musicales: favor tomar nota). Los BB firmaron con Capitol Records, y con el dinero que ganaron fundaron en 1992 su propio sello: Grand Royal Records. La compañía dio a conocer a los alemanes Atary Teenage Riot (por si quieren entender desde la música las consecuencias de la caída del Muro de Berlín), o a At The Drive-In (por si les suena el nombre de Omar Rodríguez-López). La compañía quebró, pero algunos fanáticos adquirieron los derechos de gran parte de su catálogo.

Mi disco favorito de los Beastie Boys es Check Your Head. Ahí está una de mis canciones favoritas (So What’cha Want), y otro tema pegajoso en el que Adam llevó la melodía (no la armonía) con su bajo; Grattitude. Recomiendo que la escuchen si no lo han hecho aún, o si aún piensan (como muchos de sus críticos en el pasado) que los Beastie Boys eran una farsa. De hecho, si revisan todo su catálogo, van a encontrar cosas interesantes si les gusta el jazz, el soul o el funk (en ese caso, recomiendo los recopilados de sus temas instrumentales).

Adam, además, fue el creador de un festival de dos días de duración en el que se recogieron fondos para apoyar la liberación del Tibet en 1996. Quienes fuimos fanáticos de Rage Against The Machine recordamos ese evento como una de sus mejores presentaciones en directo. El evento continuó realizándose durante varios años… Infortunadamente, algunos “críticos” clasificaron el estilo de los BB como “rap budista”…  No todo es perfecto.

No quiero hacer una reseña de todo el trabajo de los Beastie Boys hasta la fecha. prefiero generar curiosidad para que ustedes mismos lo exploren si se animan. Lo importante es que Adam Youch, el más “cucho” de los tres, fue un grande en muchos sentidos gracias a sus amigos. Juntos lograron romper el estigma sobre los blancos en el hip hop y ganar el respeto de sus pares. Emimen y otros se inspirarían en ellos años después para triunfar en territorio hostil. Su música es punto de referencia para definir, al menos, a una generación. Él creía en el activismo (no en la caridad que ayuda a reducir impuestos) y en la música independiente; dirigió videos musicales y apoyó a otros artistas nuevos (algunos de ellos hoy son tan grandes como los Beastie Boys).

Además de los discos y los tiquetes vendidos, hay muchas razones que explican la nostalgia que muchos sentimos tras la noticia del fallecimiento de Adam Youch (o MCA), la voz más grave de los Beastie Boys. Estas son solo algunas de ellas. Probablemente, algunos de ustedes ya hayan encontrado otras.

Radio juvenil: la nueva amenaza (?)

Para mi sorpresa, hoy encontré una iniciativa  de la Red de Padres y Madres, Red PaPaz, en la que se invita a participar en la recolección de firmas digitales. El mensaje, apoyado por varios twitteros, convoca a sumarse a la “Movilización por contenidos responsables para los niños, niñas y adolescentes en las emisoras juveniles”.  Mientras todos hablan y hablarán del concierto de un músico famoso al que, coincidencialmente, muchas emisoras invitaron a ver, me atrevo a ser impopular por dos razones: no voy a hablar del bendito “concierto de la historia”, porque quiero dar a conocer las razones que me llevan a negar mi apoyo a la iniciativa de Red PaPaz.

No pude leer el documento en donde se encuentran las motivaciones y demás detalles sobre la petición. Infortunadamente, el vínculo sólo me condujo a una página con una famosa leyenda en Internet: “Error 404″. Según la información que aparece en el formulario de firmas digitales, la iniciativa está dirigida a entidades del sector público, radiodifusores, anunciantes y publicistas. Allí se les pide el cumplimiento de la Ley de Infancia y Adolescencia, de una Resolución del Ministerio de Tecnologías de la Información y las Telecomunicaciones que sirve de norma rectora a la radiodifusión en el país, y la puesta en marcha de las recomendaciones de una sentencia de la Corte Constitucional. También se les sugiere implementar capacitación para diversas personas relacionadas con la radiodifusión y la publicidad que les ayude a asumir su responsabilidad social, así como implantar una política de auto regulación.

Me disculpo por usar el “Error 404″ como excusa, pero no me son claras las motivaciones de esta “movilización”. Por supuesto, me es claro que la Red PaPaz nació en el seno de un colegio privado de Bogotá, tras la preocupación por los contenidos de programas de radio y televisión que contaban con gran aceptación entre los estudiantes del plantel cuando corría el final del año 2002. La inquietud de los padres es justa, porque nunca será ilegal o inmoral tener intereses, expresarlos libremente y tratar de convencer a otros a partir de argumentos. Pero no puedo compartirla por diversos motivos personales, que no comprometen en ningún caso la posición del medio en el que se publica.

La polémica sobre las emisoras juveniles ha estado presente desde que tengo memoria. Cuando era niño, muchos criticaron a una emisora juvenil bogotana por presentar a la primera elección popular de alcaldes un candidato que era, en realidad, un personaje de su programa de la mañana. La misma emisora, por la época en que ya estaba en el bachillerato, inició una campaña en los colegios pertenecientes a su sistema de emisoras colegiales en contra del espacio de Santiago Moure y Martín de Francisco, emitido en una emisora rival, esgrimiendo argumentos similares a la de la actual iniciativa; curiosamente, no se dijo nada sobre los posibles intereses de los quejosos frente a los niveles de audiencia.

Por supuesto, nadie armó un debate nacional cuando, por esa misma época, una emisora juvenil en Medellín programó una canción cuya letra decía, si mal no recuerdo, “Alza la mano si te gusta la marihuana”. En esa misma ciudad, 70 u 80 años antes, se armó un escándalo que involucró al alcalde luego de que un comerciante fijara en su vitrina una imagen de la Venus de Milo. Aunque pocos se atrevan a reconocerlo (o a recordarlo al menos), los tiempos han cambiado… O no han cambiado, realmente.

Aún haciendo parte de la emisora de mi colegio, a finales de la década los 90 del siglo pasado, se nos invitó a una conferencia que estaba dirigida a rectores y educadores  de colegios bogotanos. El tema, la amenaza de la “música satánica”, repitiendo los mismos argumentos de los gobiernos y movimientos  conservadores de Estados Unidos casi 20 años antes. El orador lanzó una conclusión que aterró a todos los adultos: debido a la libertad de cultos, usted no puede hacer nada para contrarrestar este fenómeno en su institución educativa. En medio de la sesión de preguntas, un compañero mio entregó un papel con una figura del Hombre Araña haciendo con su mano el mismo gesto que realiza el personaje cuando lanza su telaraña. En el papel, una pregunta simple: “¿Qué piensa de este muñequito?”. La respuesta fue contundente y contradictoria: “no estigmaticemos”.

Lo que refleja este movimiento, a mi juicio, es la doble moral con la que se aborda este y otros asuntos similares. Desde la visión de los padres de familia y educadores, la responsabilidad del contenido de los medios de comunicación siempre ha sido de alguien más distinto a ellos. No niego la responsabilidad (o la falta de ella) de algunos de mis colegas, pero no he conocido muchas iniciativas llevadas a la práctica en las que los adultos acompañen a sus hijos para orientarlos frente a esos contenidos, enseñándoles cómo pensar en lugar de obligarlos a aprender lo que deben pensar. Cuando el movimiento incluya un aparte en donde se reconozca este problema e involucre a los educadores en este asunto, firmaré con gusto. Me permito recordar, de paso, que aunque los coordinadores de disciplina o académicos de los colegios prohibieron escuchar ciertas emisoras en ciertos horarios, mi generación venció a la censura gracias al walkman. No veo porqué esta generación, con más recursos a su alcance, no pueda hacer lo mismo.

De otra parte, me parece muy bien que se pida auto regulación a periodistas, locutores, programadores musicales, directivos de emisoras, publicistas y creativos, pero firmar dando apoyo a esta iniciativa sería, a mi juicio, un acto de ingenuidad de mi parte. No creo que este movimiento impida en el mediano plazo que otra emisora vuelva a contratar a un fenómeno de Internet tipo “Doña Gloria” por la época en que se realizan mediciones de audiencia, pagándole un salario mínimo (o menos que eso) y echándola a la calle luego de que los sondeos hayan reconocido a ese medio como “el número uno en sintonía”. Tampoco creo que esta iniciativa obligue a que se cumpla la legislación vigente; debates similares dados en el pasado no lo lograron en su momento.

Estas movilizaciones son importantes, y celebro que la sociedad cuestione de vez en vez (aunque no se logre mucho con ello) la forma en que los medios hablan a los jóvenes. Sin embargo, me gustaría ver más indignación ante el amarillismo y la falta de contexto en los espacios informativos; ese sería un debate más útil para nuestra sociedad y sería, además, algo realmente novedoso.

PD: Como no soy quien para obligar a aprender lo que se debe pensar, los invito a mirar el sitio de la iniciativa: http://www.redpapaz.org/index.php?option=com_breezingforms&ff_form=17&ff_page=1

PD 2: Dos horas después de la publicación de este blog, se me informó a través de la cuenta @RedPaPaz que el Error 404 fue corregido.

Alejandro Lopera (alejo.lopera@radiopos.com – @cubara)

Shakira y su colombianada

En las últimas 24 horas, mis contactos en las redes sociales han comentado con mucho interés el infortunado desliz de Shakira cantando el Himno Nacional, y no precisamente centrados sobre el carácter sublime de nuestra libertad al cesar la horrible noche. Por supuesto, a cualquier persona le ofendería que un artista famoso cometa un error al cantar algo que a todos nos enseñaron desde la escuela primaria. Pero si se mira el tema más allá del amor por la patria, hay un problema aún más complicado…

Sin duda, esta no es la primera vez que pasa algo semejante. Basta con estar atento a los diversos eventos deportivos organizados en Estados Unidos, en donde uno de los momentos más emotivos de cada transmisión es la participación de un famoso cantando el himno mientras tres o cinco aviones de combate pasan en formación. Sin duda, la presión debe ser similar a la de tener enfrente a varios mandatarios y dignatarios en un evento político internacional, justo cuando por primera vez en cien años un presidente de algún país del norte se quedó a dormir acá. Por cierto, les debo un comentario sobre la idea de historia que tienen mis colegas periodistas, pero volvamos a la música.

Para manejar la presión, no es necesario tomar cuanta pastilla vendan para los nervios, ni recurrir a ciertas gotas que usaba un político al que la artista pareció aludir en su interpretación. Mis queridos amigos, hay una fórmula mágica que siempre los hará invencibles y más famosos que nuestros gloriosos héroes de la Independencia: ¡HAY QUE ENSAYAR!

Los aficionados a cualquier género, y en particular al jazz, recordarán que existen varias versiones majestuosas de una misma canción grabadas por diferentes músicos. Esos personajes, a quienes hoy reconocemos como leyendas, lograron hacer propios temas considerados como “de repertorio” porque se la pasaron toda la vida tocándolas una y otra vez. Solo cuando sentían con seguridad que la habían aprendido, se atrevían a ponerle su toque personal. Infortunadamente, Shakira hizo algo más que agregar su peculiar estilo de “vibrato”.

Debo decir, además, que me parecen algo injustos los comentarios cuestionando la nacionalidad de la artista en cuestión. Yo diría que ella, simplemente, olvidó una lección que debió aprender por la misma época cuando corría detrás de los gerentes de las discográficas con su guitarra: cuando el profesor nos pone una exposición en el colegio, hay que prepararla bien ensayando todo lo que se ve a decir y, de paso, preparando notas si es necesario. El pop exige perfección, y por eso algunos artistas tienen la costumbre de doblar cuando se presentan… Un detalle que hay que tener en cuenta cuando se le pide a un artista pop que cante a capela. Ahora que lo pienso, por algo la sacarían del coro de su colegio (comentario exclusivo para músicos).

La improvisación parece estar mezclada con nuestras manifestaciones y raíces culturales más profundas… Yo, en cambio, sigo defendiendo la que es, para mí, la regla de oro en mi negocio: La mejor improvisación es la que mejor se prepara. Hay que ensayar hasta las canciones de cuna, más cuando se pidió dinero para invertir en la niñez desamparada del país cuyo himno se va a cantar. ”¡Ah! Y que no le pase a usted…”

PD 1: De no haber sido por tan irresistible “papayazo”, habría escrito acerca de la poca preocupación que demostraron los músicos en esta semana sobre la nueva legislación relacionada con derechos de autor aprobada por nuestros “padres de la patria”. No sé si muchos están esperando a informarse mejor al respecto antes de emitir juicio, si están siguiendo la corriente de quienes defienden alguna de las posiciones al respecto sin haber leído lo que se aprobó, o si no les importa cómo los cambios en la legislación de derechos de autor pueden afectar la promoción que hacen de su propia música…

PD 2: Si usted vive fuera de Colombia y no sabe qué es un “papayazo”, o no sabe cuál fue el hecho que despertó mi inquietud para escribir esta columna, puede escribirme para que aclare sus dudas tan pronto como me sea posible.

PD 3: En relación con PD 1, autorizo a cualquier persona a usar la información incluida en cualquiera de mis publicaciones siempre y cuando se cite la fuente.

Alejandro Lopera (alejo.lopera@radiopos.com – @cubara)

“¿Y qué me dan ustedes?”

Día del toque. Todo está listo. La prueba de sonido fue perfecta. Solo falta que llegue el público y todo estará bien… Si es que llega. Cuando se empieza, los fans incondicionales suelen ser los mejores amigos y las novias de cada músico. Infortunadamente, ellos no consumen lo suficiente como para garantizar que el negocio sea rentable para el local, y otra puerta para hacerse conocer se cierra definitivamente antes de la madrugada.

Muchos se lamentan pensando qué fe lo que salió mal. Culpan a sus amigos por no invitar más gente o por “mentir” tras  haber confirmado su asistencia en el evento creado en Facebook o en la convocatoria a través de Twitter. Culpan al local por no cobrar el cover a las personas que llegaron cuando los equipos se estaban montando. Pero el error fue otro: no es suficiente con llevar los equipos y tocar, y tampoco lo es exigir al sitio que garantice todas las condiciones para un show exitoso.

En un toque, tanto el local como el músico corren el riesgo de perder. Sin embargo, el segundo siempre asume que su único trabajo es hacer música, cuando también tiene una gran responsabilidad a la hora de convocar a las personas que, en últimas, recompensarán la confianza del administrador del lugar puesta en el artista, quien suele salir siempre con una pregunta cómoda: “¿Y qué me dan ustedes?”. Aunque suene a curso barato de civismo, la pregunta debería ser otra; ustedes ya deben saber a esta altura cuál es…

Además de los equipos y el sonido que ofrezca cada sitio, también se debe pensar en las maneras en las que ellos hacen difusión de sus eventos. Una buena idea para hacer inteligencia es visitar el lugar como cualquier cliente antes de proponer la posibilidad de organizar algo. No solo ellos tienen sus estrategias de promoción, sino que a ustedes también se les pueden ocurrir algunas. También es bueno fijarse en la clientela habitual, para saber si hacen más o menos bulto que los fanáticos (las novias de los músicos) y si están dispuestos a pagar por ver a un artista que desconocen.

No todos los bares, teatros o locales de conciertos hacen promoción de todos sus eventos. A veces, por economía, sólo hacen promoción masiva de uno de los eventos del mes. Por la misma razón, es una buena idea llevar una propuesta de promoción. Afortunadamente, no todos son estrictos en cuanto a las ideas que pueden surgir para elaborar un afiche, siempre y cuando se respete la identidad gráfica del local. Si ustedes cuentan con un trabajo de branding, también deben defender su marca en caso de que no puedan tener control sobre el afiche (tipografía, tonos de color, área de reserva). Si no han desarrollado identidad gráfica, no sé qué están esperando… Pero recuerden que no todos los diseñadores saben cómo hacerlo bien.

Las redes sociales sirven para difundir, pero no esperen generar una “primavera árabe” de la noche a la mañana. Los músicos, al igual que los publicistas, saben que se debe tener algo muy bueno e impactante para romper con la pasividad de la audiencia. Una buena idea es asegurar una preventa con sus amigos y conocidos. Podrían pensar incluso en reducir parte de su porcentaje en esa etapa si es la primera vez que se presentan en ese lugar, con tal de asegurar cierta cantidad de público para, al menos, recuperar la inversión. Si demuestran que pueden convocar gente, tendrán asegurado el segundo toque.

La primera lección que debe aprender cualquier músico es la humildad. Sin embargo, no está de más trabajar un poco para ofrecer otras opciones además de las canciones y la puesta en escena con tal de conseguir dónde tocar. Muchos se quejan de la cultura del “todo gratis”, pero hacen poco para cambiar las cosas. Hay ideas simples que pueden darle un mayor valor a su trabajo, además de las horas de ensayo. Aunque pocos lo crean, los mismos músicos juegan un rol importante en el proceso, y permitieron con su pasividad la conformación de una escena que suele ser desfavorable para ellos.

Alejandro Lopera (alejo.lopera@radiopos.com – @cubara)

Inés Granja, la Voz de la Marimba.

Inés Granja Herrera es una de las cantaoras más importantes del Pacífico Colombiano. Esta mujer aprendió a cantar por su cuenta la música de su Timibiquí, Cauca, el municipio donde nació. “Mi maestro de canto fue mi oído” , dice con orgullo doña Inés, cuya voz recuerda el fluir del agua. Su experiencia la hizo convertirse en jurado de festivales, pero también su talento; ya nadie más quiso competir contra ella, la segura ganadora siempre que se presentaba.

Inés Granja no solo tiene una voz prodigiosa. Ella también es la compositora de varias canciones que se escuchan con frecuencia en su región: “La Memoria de Justino”, “Sube la Marea”, “Mi Canalete”, “Que Baile el Abuelo”, “Baila Negro”, “Marimba Es”, “Soy Timbiquireña”… Algunas de estas canciones fueron compiladas en el EP La Voz de la Marimba, que será presentado el próximo miércoles en Bogotá.

El artífice de esta grabación fue Juan David Castaño, director musical del grupo de marimba urbana La Revuelta. “Él me encontró en el Petronio. Hablamos y me dijo que iba a hacer un proyecto para que yo viniera a Bogotá. Yo permanecí como 36 meses llamándolo, y él me decía que tranquila, que ya casi sale, y con ganas de viajar a Bogotá”. Gracias a las gestiones de Juan David, doña Inés se presentó en varios bares y teatros de Bogotá, dio talleres sobre música del Pacífico y cantó en la Plaza de Bolívar.

Juan David  fue el productor de La Voz de la Marimba, en donde también participó como músico en un puesto nada fácil de llenar. “Él es el que toca la marimba… ¡Pero muy buena! Yo no canto con cualquier marimbero, pero él dio en el clavo. Yo a ese tipo lo admiro,  es un profesional entre profesionales.”

De la mano con el disco, Inés Granja también presenta un video que ya empieza a recorrer las redes sociales: “Los Camarones“. En él vemos a la cantaora meterse al mar con un grupo de pescadores, mientras un grupo de gaviotas aprovecha la oportunidad para ganarse una comida fácil. Una imagen que sirve de carta de presentación a la región del Pacífico Sur para quienes no la han visitado o no conocen su música.

A doña Inés le gusta mucho venir a Bogotá, aunque el frío no sea lo suyo. Siempre se ha encontrado con gente muy amable que quiere aprender de sus conocimientos tradicionales. Ella siempre está dispuesta a enseñar, y aprovecha cada oportunidad para organizar talleres. Sus paisanos de Timbiquí que viven en Bogotá la acompañan en cada una de sus presentaciones, e invitan a más personas. No es de extrañar que la música de marimba cuente cada vez más con más aficionados en la capital del país.

La presentación del EP La Voz de la Marimba se hará en Bogotá el jueves 15 de marzo en Matik-Matik (carrera 11 67-20) a partir de las 11 p.m. La entrada tiene un costo de 15 mil pesos, e incluye el valor del disco.

Alejandro Lopera (@cubara – alejo.lopera@radiopos.com)

Sobre el todero independiente*

En la actualidad, es frecuente encontrar en la escena musical personas que ofrecen todos los servicios necesarios para garantizar el éxito de la carrera de un artista. Sus catálogos son muy variados: sala de ensayos, grabación, producción, masterización, mezcla, branding, booking, página web, redes sociales, y hasta la garantía de sonar en radio o de conseguir un endorsement. Eso no es malo per se; lo malo empieza cuando se ofrece todo en un mismo lugar.

No busco criticar a quienes creen en una expansión agresiva como su estrategia de negocio. Incluso debo reconocer que el ejemplo pudo ser exagerado. El punto al que quiero llegar es que el músico debe tener las herramientas para tomar con calma todas las ofertas u oportunidades en el horizonte, y determinar lo que realmente necesita dependiendo de sus metas y posibilidades. Un artista debe estar en control de su carrera y mantener la independencia en cuanto a las decisiones sobre su forma de hacer las cosas. Sin embargo, no puede aspirar a hacerlo todo por sí mismo.

Una tendencia muy común, para infortunio de los ingenieros de sonido, es pensar que todos pueden grabar hits en casa. Solo un talento excepcional podría grabar, producir, mezclar o masterizar un disco por sí mismo. La fama de algunos nombres conocidos en el negocio no es gratuita; son personas que han trabajado toda una vida construyendo un sello propio.  Los artistas que se aventuran a explorar otros roles lo hacen luego de varios discos, y no a todos les sale bien la apuesta. Claro está que no solo esas grandes firmas tienen derecho a tener un disco exitoso. Eso es algo que deberían tener en cuenta todos los involucrados en el negocio de la música, incluyendo a quienes programan canciones por diversos medios.

Ya que hablamos de medios, ¿qué tan buena idea es invertir en “nuevos medios”? Artic Monkeys logró la fama por su popularidad en Internet. Wendy Sulca y otros fenómenos de YouTube aprovecharon la polémica sobre su material a su favor. Grupos colombianos que han girado en Estados Unidos han encontrado en las redes sociales un mecanismo efectivo para convocar a connacionales que fueron sus seguidores en Colombia y a quienes les gustaría verlos en vivo de nuevo. Pero una inversión alta en la web no garantiza un alto número de fans, y menos una respuesta efectiva ante una convocatoria. Incluso para algunas compañías grandes es extremadamente costoso mantener un sitio web en relación a los ingresos que obtienen por esta vía, si es que pueden medirlos. Estar en línea puede ser útil, siempre y cuando se sepa para qué se usa. Cuando les prometan una página con miles de animaciones e hipervínculos, es mejor que lo piensen dos veces.

También es bueno reflexionar sobre la conveniencia de firmar acuerdos con una compañía que pueda proveer de instrumentos y accesorios musicales. Para muchos, este tipo de alianzas reportan el prestigio como su ganancia principal. Sin embargo, no sirve de mucho tener una guitarra gratis si no es un instrumento de calidad o de gama profesional. Tampoco es útil si esa relación no ayuda a la promoción de la marca o del músico; es decir, si no existe la posibilidad de hacer frecuentemente clínicas, entrevistas en medios especializados o demostraciones de producto. Como guitarrista frustrado, diría que me gustaría más invertir en una buena guitarra y contar mejor con un buen endorsement de cuerdas.

En nuestros tiempos, cada vez se habla más sobre la especialización del trabajo. Nuestros abuelos solían decir “el que mucho abarca, poco aprieta”. Pero más allá de la sabiduría popular o las llamadas tendencias del mercado laboral, ¿qué tan buena idea resulta acaparar todas las ramas del negocio dentro de la escena independiente? La mejor idea, sea cual sea el ambiente en que cada quien se mueva, es dedicar tiempo y esfuerzo a descubrir, cultivar y perfeccionar su talento (su verdadero valor). Esto es cada vez más cierto en una época en donde la realización individual empieza a ser para algunos más importante que el éxito económico, la tecnología baja de precio cada vez más rápido y la mayoría cree en obtener todo gratis o por un precio muy bajo.  No todo lo que se ofrece es para todos, y no todos saben sobre lo que ofrecen.

*Gracias a las personas que inspiraron estas reflexiones durante los muy interesantes encuentros de los últimos días.

Alejandro Lopera (@cubara – alejo.lopera@radiopos.com)

Esta también es triste. Una animada charla con Andrés Correa.

El 2012 apenas comienza para Andrés Correa. Luego de que la Revista Semana incluyera su disco Un Lugar el el listado de los 10 mejores del año en Colombia, el cantautor bogotano se presentó el pasado miércoles en el Teatro R101 de la capital, en un concierto que marcó el inicio de las actividades de la Fundación Barrio Colombia.

La presentación empezó de manera inusual. Andrés tocó solo con su guitarra antes de llamar a su grupo, algo que solía pasar al final de cada noche. Él nos explicó la razón a la mañana siguiente, en una agradable conversación al aire libre: “No hay ningún manual donde diga que un concierto debe empezar de determinada forma. Cuando uno sale con la banda es como salir con un escudo. Salir un poco más empeloto es como quitarse ese escudo”.

Otros detalles rompieron la rutina. Los demás músicos entraron y salieron de escena en varias oportunidades, pero nadie lo hizo más que Germán Pinilla, un armonicista proveniente de la escena blues que improvisó un par de solos con Andrés hacia la mitad del concierto (muy celebrados, por cierto). También causó algo de sorpresa la pregunta del solista a su banda en algunas canciones, sobre si querían quedarse con él o abandonar el escenario. ”Llevo mucho tiempo tocando con varios de ellos”, recordó Andrés. “Y hay como una confianza musical en donde puede que no la hayamos ensayado, pero, finalmente, una canción es una canción”.

Algunos músicos solistas suelen ser bastante celosos en cuanto a la manera de interpretar sus composiciones, tanto que suelen tocar sus canciones de la misma manera en cada concierto. Andrés Correa piensa de una manera diferente: “Yo mismo hice muchos cambios sobre la marcha. Una canción es una base para compartir una experiencia. Vengo del jazz, de la tradición del Real Book. Me encanta esa tradicion de los standards americanos en donde hay una melodía y una armonía sugerida, y de ahí pa’ lante hagan lo que quieran”.

El repertorio también contó con novedades, como una canción a ritmo de bambuco, aún sin nombre, y que Andrés presentó como una “canción rabona” dedicada a Bogotá. En esa noche, predominó lo melancólico, como el mismo artista lo reconoció en algún momento del concierto: “Esta también es triste; el man no se la levanta”. Por supuesto, la audiencia respondió con risas al comentario, lo que no siempre resulta cómodo. “Yo a veces hago conciertos y toda la gente se está riendo. A veces he llegado a hacerlo premeditadamente. Pero a veces me pesa y quiero alejarme de eso porque, de alguna manera, percibo que en Colombia la gente entiende la diversión como risa y baile. Hay una dicotomía muy fuerte en eso que no comparto. Siento que en la reflexión hay entretenimiento.”

No fue necesario reír para divertirse. El pequeño teatro fue el escenario perfecto para apreciar en varios temas el talento de los músicos y su habilidad para manejar variaciones de intensidad casi imperceptibles. A pesar de algunos problemas mínimos en los primeros sets, el control de la interpretación de cada instrumento a la hora de transmitir diversos niveles de emoción aumentó la confianza de los intérpretes, e hizo que los asistentes abandonaran la sala satisfechos.

Por supuesto, no todos los conciertos son iguales, incluso los de aquellos artistas que manejan un guión de hierro. Todas las personas, así como las prendas de ropa, tienen etiquetas acerca de cómo deben ser tratadas. Al menos, eso piensa Andrés Correa: “Soy sincero con mis estados de ánimo. No me quiero casar con el triste ni con el que hace reír a la gente. Espero del público que vaya con los oídos abiertos, que no esperen encontrarse con el man chistoso o con las canciones cortavenas.”

Si les gustan las sorpresas, podrán encontrarse con Andrés Correa más frecuentemente en Bogotá en 2012. Además de una nueva versión del Festival Internacional de la Canción Itinerante, este cantautor tiene como propósito presentarse en diferentes puntos de la ciudad y con mayor frecuencia. Sus próximos compromisos incluyen la preparación de un concierto acústico  para una emisora local, además de presentar el próximo miércoles a su amigo y colega, Roberto Camargo, en la segunda noche dedicada a la Fundación Barrio Colombia en el Teatro R101. La cita, para los interesados, es a las 8 de la noche.

Alejandro Lopera (@cubara – alejo.lopera@radiopos.com)

Las lecciones de Forbes

La revista Forbes elabora cada año su famoso listado de las celebridades más influyentes. Por supuesto, la selección también incluye a un selecto grupo de músicos. Los invito a ir más allá de las cifras del pasado año para ver si podemos aprender a hacer dinero citando con mayor detalle la información publicada. Los independientes también tenemos cuentas por pagar, aunque no siempre podemos llevar las ideas de los grandes monstruos a la práctica…

El primer lugar en la lista del 2011 le correspondió a U2. Los irlandeses se llevaron a casa 192 millones de dólares en los últimos 12 meses. Su última gira de dos años de duración apuntaba a ser la más lucrativa de la historia (se calculaba que vendería en total 700 millones de dólares), superando al célebre tour A Bigger Bang de los Rolling Stones (558 millones de dólares entre 2005 y 2007).

El truco para lograr el primer lugar no se reduce a vivir en el camino por dos años seguidos. U2 se presentó tres veces en el estadio Morumbi en el mes de abril. Cada show vendió 80 mil sillas para un total de 33 millones de dólares según la revista Billboard. Jay-Z ganó la misma suma durante todo el 2011, pero tuvo que ofrecer 32 conciertos en sitios más pequeños. La moraleja es simple: para ganar dinero, llena estadios en vez de coliseos.

Aún hay más. Bon Jovi, el segundo en el ranking, usó la misma estrategia de Bono, The Edge y compañía: tocar varias veces en un mismo lugar. Más de la mitad de los recitales de U2 en los últimos 12 meses fueron múltiples conciertos en un mismo escenario. Esto evita desperdiciar dinero en promoción, transporte de equipos y montaje. Bon Jovi hizo 19 conciertos en 12 días en el O2 Arena de Londres, lo que significó un ahorro de 300 mil dólares.

Pero esa no fue la única estrategia usada por los ya señores de Nueva Jersey para irse con 125 millones de dólares libres. De hecho, sus directos rivales (Elton John y Lady Gaga) recibieron más dinero por sus presentaciones. El verdadero secreto fue la eficiencia de recursos: Bon Jovi gira actualmente con un promedio de seis músicos en tarima, demostrando que no se necesitan docenas de coristas, bailarines de respaldo, excesos en pirotecnia o un vestido nuevo cada noche para hacer rentable un espectáculo.

El músico más viejo de la lista del 2011 es Sir Paul McCartney. El multi-instrumentista de 68 años ganó 67 millones de dólares, lo que lo ubicó por encima de Justin Bieber, el más joven del conteo (a sus 17 años, ganó 53 millones de dólares). Aunque el Beatle solo se presentó 30 veces en el año, su fortuna aumentó gracias a los derechos de reproducción. No por nada, el libro de los Records Guinness lo presenta como el compositor más exitoso comercialmente en la historia de la música popular. Crea fama y échate a esperar los cheques.

Aunque a muchos les disguste, venderse realmente vende. Black Eyed Peas llegó al puesto siete gracias a los contratos publicitarios firmados con compañías como Samsung, Pepsi, Honda y Verizon, entre otras. Muse sumó unos cuantos billetes (los suficientes para empatar en ganancias con AC-DC, Beyoncé y al tipo que antes conocíamos como Puff Daddy) al ubicar sus canciones en las tres bandas sonoras de la saga Crepúsculo. Su bajista no pudo explicarlo mejor: “Tienes que aprovechar cualquier oportunidad, y a veces tienes que vender tu alma”.

Las cosas en el mundo de la música han cambiado, aunque no demasiado. La gran mayoría de los 25 afortunados obtuvieron sus ganancias gracias a las presentaciones en vivo y no mediante la venta de discos. La diferencia, en esta ocasión, se marcó gracias a la eficiencia en el uso de los recursos disponibles; se calcula que un show de rock puede dejar ganancias libres hasta por el 50 por ciento del dinero recaudado en entradas, tras pagar los gastos de producción.

Espero que algunos datos incluidos en este artículo generen nuevas ideas entre músicos y futuros empresarios de la escena independiente. Siempre valdrá la pena mirar con calma al mundo para crear nuevas soluciones, aún si no se cuenta con los recursos para aplicar las reglas del negocio al pie de la letra. Por mi parte, no puedo dejarlos sin compartir con ustedes la gran lección personal que aprendí de Forbes; a pesar de lo escrito en la entrega inmediatamente anterior, algunos tops aún pueden ser interesantes.

Alejandro Lopera (@cubara – alejo.lopera@radiopos.com)

Oh! Rasqa

Los radioposteños andaban buscando bloggero, y como un llamado a seguir, escribí sobre lo que me mueve las tripas, sobre música… quiero darles las gracias por darme este espacio para contarme, y así empieza mi primer post:

Hablando de música, puedo decir que soy la fan mas fiel de todo lo que me suene rico, así sea un batazo contra una hoya, si le descubro en sentimiento y puedo bailar, me enredo con lo que me muestre un buen músico.

En noviembre, por ejemplo, estuve en el concierto del ¡Oh todo poderoso! señor y maestro, don Edson Velandia, mas conocido por tocar en Velandia y la Tigra, primero me encontré en un delicioso taller de dos días donde su genialidad se regó por todo el lugar, entre charla y plastilina, nos enseño a sentir la música, y mas que hacer música, nos enseño a serla, a que se nos saliera por los poros y la pudiéramos poner en una guitarra, un tambor mal improvisado y unas noticas a capela.

Después del taller, todo fue glorioso, y se que hablo sesgada por mi amor, pero ese día se lucieron esos santandereanos, entre distorsiones y caídas, letras que riman entre risas y un viaje a la montaña, pusieron a todo el mundo a gozar, el sitio estaba lleno, estábamos un local abandonado, sin baños que sirvieran, sin una escoba que le hubiera pasado encima en meses y con unos carteles bien improvisados, que cualquiera diría, “ay! como los traen a tocar a ese chuzo”, pero después que uno levanta la mirada y siente el poder de la banda y la energía que envuelve a la gente, uno dice: “esto es Rasqa”, la gente poguio, canto el porro, bailo, se abrazo y todos salieron lo mas de contentos.

Y para inspirarlos a sentirse así, acá les paso un par de canciones… http://grooveshark.com/playlist/Oh+Rasqa/67524376

Renata Morales (erresita@gmail.com)

After the rainbow I found Oh Land! por Nathy Gómezz

Un día cualquiera buscando sonidos actuales me encontré con un medio para explorar nueva y muy buena música, se trata de la Big Yellow Ugly Couch[1], un sitio en la red  que representa la idea de un fotógrafo (Carlye Wisel) y un camarógrafo (Rasmussen Donald) quienes buscan por medio de su apartamento en Brooklyn compartir su espacio  con músicos que quieran pasar un tiempo agradable y usar este lugar como un ejemplo de innovación y originalidad a la hora de hacer música.

Es así que encontré, esta versión de Rainbow (http://youtu.be/f5KgZK_dvXI)  una canción sencilla compuesta por un sintetizador y la voz cautivadora de Nanna Øland Fabricius una danesa de descendiente de cantantes de opera y  ex bailarina de la Academia Danesa Royal Ballet quien frente a una lesión decidió tomar la música como su nuevo camino, que la llevó a  viajar a NY tras el éxito de su primer álbum Fauna en su país natal en el 2008. Para marzo de 2011 con el apoyo de Epic Records esta cantante lanzó su segunda producción titulada Oh Land obteniendo el puesto 184 en la lista Billboard 200.

Su seducción musical la llevó a presentarse en programas como el Late Show with David Letterman, obtener el premio a mejor artista nuevo en los NewNowNext Awards en el 2011 y hacer parte de las giras de la cantante australiana Sia Furler y de Katy Perry como telonera.

De esta manera esta guapa artista continuara su larga trayectoria por la conquista en la industria musical Norteamérica, lo más seguro con buenos resultados como los de ahora, puesto que logra capturar la atención de la audiencia con la mezcla de belleza, talento, innovación y un arte creativo en sus videos.

Sin embargo, prefiero escuchar las versiones en vivo que en estudio ya que estas últimas pierden la esencia de lo “raro” y maravilloso que brinda Oh Land gracias a la composición de melodías con la simplicidad de pocos instrumentos y una voz.

Mi Top de canciones recomendadas son:

1. White Nights. 2. Sun of a gun 3. Perfection. 4. Numb. 5. Rainbow

¿Un nuevo top 100? ¡Más de lo mismo!

La edición en inglés de la revista Rolling Stone  actualizó uno de los listados de la serie que busca a los mejores artistas, cantantes, discos y canciones. En esta oportunidad, intérpretes y otras figuras importantes de la música fueron convocados para seleccionar a los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. ¡Sí, señores! Un nuevo ranking de guitarristas, tan aburrido como todos los anteriores.

Las clasificaciones solían ser un buen recurso para llamar la atención de los lectores. Si el tema central son las guitarras, todos quieren saber quiénes son los más rápidos, los más técnicos, o los que tienen más “feeling”. Si usted revisa el conteo, disponible en línea desde hace un par de meses, tal vez coincida conmigo en que el criterio de selección, esta vez, tiene que ver con su influencia en el negocio y en otros músicos. Por supuesto, hay polémicas, pero son tan repetitivas…

La razón que hace aún más monótono cada nuevo listado de guitarristas es el eterno e indiscutible ganador en todos los conteos, incluyendo el que comentamos: James Marshall Hendrix. No podía ser de otra manera si tomamos en cuenta sus grandes gestas; durante su primera semana en Londres, Jimi tuvo la osadía de subir al escenario con Cream y “matar a Dios” (Clapton, el tipo que ocupó un justo segundo lugar).

Por cierto, los amantes del blues tienen varias razones para alegrarse y enojarse a la vez. Los tres guitarristas de The Yardbirds están en los primeros cinco lugares, aunque se les coló en la mitad su satánica majestad, Keith Richards. Si bien el estilo de los Rolling Stones estuvo muy influenciado por la música del delta, puede que muchos se molesten al ver que está por encima del inigualable llanto de Lucille, la amada guitarra de B.B. King.

Stevie Ray Vaughan, quien obligó al mismo Clapton a estacionar su auto la primera vez que lo escuchó por la radio, solo llegó al número 12. Robert Johnson, considerado por varios críticos como la esencia de la música popular estadounidense, se ubicó en la casilla 71.

Los fanáticos del estilo shred, a quienes acusan injustamente de tener más técnica que alma, pueden darse por bien servidos con el octavo lugar de Eddie Van Halen. Pero toda dicha es pasajera. Randy Rhoads es el segundo mejor clasificado en el puesto 36 (si sacamos de la categoría a Angus Young y su número 24).

Richie Blackmoore se quedó en la mitad del conteo, Slash está en el 75, James Hetfield en el 87, y el tristemente desaparecido Dimebag Darrell en el 92. Apellidos como Satriani, Vai, Gilbert, Laiho, Malmsteen, Becker o Bettencourt no aparecen por ninguna parte. Un mal día para el pelo largo.

Otro tema interesantemente aburrido son las “nuevas” figuras que empiezan a aparecer en el panorama. Thurston Moore, de Sonic Youth, fue penúltimo. J. Macis, de Dinosaur Jr., quedó en el puesto 86. Jack White se ubicó en el lugar 70. Johnny Marr de The Smiths’ está en la casilla 51. Más arriba quedaron Jonny Greenwood de Radiohead (48), y Tom Morello, el rey del Whammy y de los sonidos extraños (40).

Tal vez el recién llegado más polémico del listado pueda ser Bruce Springsteen. Aunque su Fender Telecaster es un ícono, sólo le sirvió para ubicarse entre los cuatro últimos. Tal vez le habrían podido reservar un lugar a Matthew Bellamy de Muse, con sus guitarras a medida construidas por los hermanos Manson.

Como un detalle que debería ser novedoso, algunos de los artistas que fueron seleccionados tuvieron la oportunidad de escribir sobre sus propios ídolos. Tom Morello redactó la reseña sobre Jimi Hendrix, y Eddie Van Halen hizo lo propio para rendir tributo a Clapton, la “mano lenta”. Es interesante conocer los conceptos que tienen las figuras de sus colegas, más en un mundo tan competitivo y de egos tan marcados. Eso sí, como escritores, todos son muy buenos guitarristas.

Según un chiste viejo de músicos, se necesitan 10 guitarristas para cambiar un bombillo; uno lo cambia, mientras los otros nueve dicen al unísono algo como “yo podría hacerlo mejor”. Según quien escribe, la actualización del listado de la revista Rolling Stone es tan mala como el comentario anterior. Se trata solamente de un nuevo duelo de egos y fanáticos, que en ningún caso revivió las emociones producidas por ejercicios similares de hace 10 años o más. Espero que, al menos, los vínculos incluidos como referencia para los menos entendidos hayan entretenido a mis lectores.

La poca atención que despertó la “nueva” portada de Hendrix es una voz de alerta para la industria editorial; al igual que pasa en el mundo de la música, este es un momento clave para transformarse y, de ser necesario, reinventarse. El tiempo de los tops, aunque algunos se resistan a creerlo, quedó atrás hace un buen rato.

Alejandro Lopera (@cubara  - alejo.lopera@radiopos.com)

Y ahora si fue. Nueva web y seguimos en pie!

Sabemos que los cambios han sido largos, espero nos disculpen los inconvenientes. Seguimos en la lucha para que cada vez más gente le de PLAY A LA MÚSICA INDEPENDIENTE. Así que esperamos se gocen la nueva web, los sustanciosos programas y dejenos conocer sus impresiones de todo este sueño… alaire(arroba)radiopos.com.

Somos muchos a los que nos gusta la buena música, como a este personaje.

Video vía Luisa Rodríguez
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Por: Martha Sierra